55 книг для искусствоведа. Главные идеи в истории искусств - Евгения Николаевна Черняева Страница 24

живописному и возвращается обратно. Концепция искусства Вёльфлина далека от идеи прогресса, но сама идея развития ему не чужда. Различия между линейным и живописным стилями предельно просты: в линейном стиле преобладают линии, они создают форму, в живописном стиле господствуют пятно и светотень. В линейном стиле художник изображает предмет таким, каков он есть. В живописном стиле художник изображает зрительное впечатление о предмете. Оба стиля стремятся к передаче правды жизни, но делают это разными путями. Логично предположить, что линейный стиль соответствует графике, а живописный – живописи, но бывает и по-другому. Так, например, для живописи Дюрера характерна линейность, а для графики Рембрандта – живописность. А это означает, что можно говорить и о линейной живописи, и о живописной графике.

С категориями «линейный» и «живописный» тесно связаны понятия «плоскостность» и «глубина». Плоскостность рождается от тектоничного построения композиции, симметричных линий, прямых углов. Глубина достигается диагональными построениями, уходящими внутрь и расходящимися за пределы рамы. Если предельно упрощать, то живопись – это построение иллюзорного пространства, а графика – работа с плоскостью.

Тектоничность и атектоничность в произведении искусства влекут за собой следующую пару понятий – открытую и закрытую формы. Вёльфлин подчеркивает, что любое художественное произведение – это система, в которой все составляющие части связаны между собой внутренней необходимостью. Закрытая форма в художественном произведении используется тогда, когда внутренний мир произведения настолько большой и сложный, что объясняется через самого себя. Открытая форма используется, когда пространство внутреннего мира, изображаемого в таком произведении, находится в движении, в процессе становления и нуждается в объяснении извне. Вёльфлин приводит в качестве примера закрытой формы искусство классицизма, а открытую форму рассматривает на примере барокко. Искусствовед считает, что оба стиля реалистичны, но каждый по-своему. И тот и другой связаны с природой, ведь она проявляется по-разному: и в состоянии законченности, подобно горному пейзажу, и в незавершенности марины; ей свойственны покой и ясность натюрморта, и бурное становление грозовой тучи.

Следующая пара понятий – это единство и множество. При этом под единством Вёльфлин понимает цельность, слитность отдельных, равнозначных частей. Так, в произведениях искусства Ренессанса царит гармония равнозначных частей, как в «Тайной вечере» Леонардо или «Афинской школе» Рафаэля. Для множественности характерен принцип субординации, когда одна часть доминирует над остальными. Множественность – это искусство барокко, с его фонтанами, в которых идея движения подкрепляется реальным движением воды. Вёльфлин отмечает, что доминанта – это не обязательно какая-то фигура в композиции, а, например, свет, как в произведениях Рембрандта, где свету подчиняется все остальное в картине.

Замыкает пятерку оппозиций диада «ясность – не ясность». Понятие ясности не возникает само по себе, а развивается со временем: например, для эпохи итальянского кватроченто характерна большая художественная ясность, чем для треченто. То же касается творческого пути отдельного художника: например, более поздние работы Дюрера или Рембрандта отличаются большей художественной ясностью.

Вёльфлин понимал, что его теория имеет ограничения. Его мнение по поводу целей и задач искусствоведения можно выразить следующим образом: «прекрасной задачей истории искусства является сохранение живым хотя бы понятия о единообразном видении, преодолении невероятной путаницы и установка глаза на твердое и ясное отношение к видимому».

Биография

Генрих Вёльфлин родился в 1864 году в Швейцарии, в семье профессора филологии. Вёльфлин изучал философию в Базеле и Берлине, историю искусства – в Мюнхене, где его учителем был Якоб Буркхардт. В 1886 году Вёльфлин защитил выпускную работу по теме «Введение в психологию архитектуры», после чего два года был стипендиатом Немецкого археологического института в Риме. Итогом этого периода стала докторская диссертация «Ренессанс и барокко».

С 1888 года Вёльфлин преподавал в Мюнхенском университете, а также в крупнейших университетах Германии и Швейцарии. Его лекции были своеобразным обязательным курсом, который стремились послушать практически все искусствоведы, получавшие образование в Европе. Университетский курс стал базой для второй крупной работы Вёльфлина – «Классического искусства». Мировую славу ему принесла самая значимая работа «Основные понятия истории искусства».

Труды Вёльфлина еще при жизни переведены на основные европейские языки, поскольку его идеи занимали господствующее место в искусствоведении начала ХХ века. Ему удалось повлиять на многих художников своего времени, потому что именно тогда особенно остро встал вопрос изобразительного языка. Концепция Вёльфлина также повлияла на литературоведение.

Искусство XIX–XX веков с его многообразием стилевых и внестилевых направлений Вёльфлин отказывался изучать, поскольку считал этот период глубочайшим упадком в искусстве.

Вёльфлину было суждено узнать не только период славы, но и период забвения. После Первой мировой войны его метод подвергся критике. Умами завладели концепции Макса Дворжака и Эрвина Панофского. Генрих Вёльфлин умер в 1945 году в Цюрихе.

Вопросы-ответы

1. Как звучит альтернативное название формального метода?

ОТВЕТ: «История искусства без имен», поскольку Вёльфлин предложил описывать художественные произведения исключительно по формальным признакам без привязки к биографии художника.

2. Назовите пять пар понятий для описания художественного произведения.

ОТВЕТ: Пять пар оппозиционных понятий для описания искусства:

1. Линейность – живописность.

2. Плоскостность – глубина.

3. Замкнутая форма – открытая форма.

4. Тектоническое начало – атектоническое начало.

5. Безусловная ясность – неполная ясность.

Все пять пар оппозиционных понятий взаимосвязаны и характеризуют свойственную определенному стилю структуру пространственных отношений.

3. Что является предметом изучения искусствоведения, с точки зрения Вёльфлина?

ОТВЕТ: Предмет изучения предельно конкретен и строго ограничен – это художественное произведение. Все остальное остается за рамками исследования.

4. В чем отличие между линейным и живописным стилями?

ОТВЕТ: В линейном стиле форма воспроизводится преимущественно с помощью линии, в живописном преобладают пятно и светотень. Художник линейного стиля изображает предмет таким, каков он есть, художник живописного стиля изображает зрительное впечатление о нем.

5. Приведите примеры линейной живописи и живописной графики.

ОТВЕТ: Все искусство классицизма тяготеет к линейности, а барокко – к живописности. Более конкретные примеры: живопись Дюрера линейна, а графика Рембрандта живописна.

6. Что значат открытая и закрытая форма художественного произведения?

ОТВЕТ: Закрытой форма является тогда, когда мир в художественном произведении настолько большой и сложный, что объясняется через самого себя. Открытая форма – это пространство иного рода, мир, изображаемый в таком произведении, находится в движении, в процессе становления и нуждается в объяснении извне. Вёльфлин иллюстрирует идею открытой и закрытой формы с помощью искусства классицизма и барокко.

7. Как проявляются единство и множественность в художественных произведениях?

ОТВЕТ: Под единством Вёльфлин понимает целостность равноправных частей. Например, в ренессансном произведении искусства царит гармония равнозначных частей, как в «Тайной вечере» Леонардо да Винчи или «Афинской школе» Рафаэля. Для множественности характерен принцип субординации, когда одна часть доминирует над остальными.

16

Казимир Северинович Малевич. «От кубизма к супрематизму»

1915 год